莫扎特创作到安魂曲中的哪一曲逝世的

这个也说不清楚……
有好几曲他都只是完成了其中的一部分，反正是在创作落泪之日的时候逝世的，但其实之前他已经写好了随后奉献经和牺牲的声乐部分^_^

关于Lacrimosa dies illa的感想。

落泪之日这个小节是莫扎特终笔的地方，在写完这一章后，莫扎特便带着他未完成的安魂曲与世长辞了。如果有人说，莫扎特一生生活拮据，之前的创作大多是靠着“天才”光环，出于养家糊口的目的而创作的曲目，那安魂曲可以算作一个例外。诚然，有传说故事流传下来，说在莫扎特已经病入膏肓之后，一位披着黑色斗篷，看不到面孔的的不速之客登门造访，请他创作一部安魂曲，更许诺将有不菲的报酬。然而当时的莫扎特却也意识到，自己可能以离大限不远，这个要求的出现无疑是命运的暗示。他曾在给友人的信中写道:“我有一种感觉，我目前的状态也在这样暗示，我的大限已经为期不远了。我的末日要在我的天才完全发挥出来之前降临。可生活是如此美好!然而任何人都不可能改变由天注定的命运，任何人也不可能知道自己的寿命长短……因此我要做完我的葬歌。我无权把未完成的安魂曲留在人间。”

于是带着一种对灵魂救赎的恳切的宗教式的祈祷，莫扎特开始创作这首为自己而谱的葬歌。在落泪之日这一小节中，这种情绪被淋漓尽致的呈现出来。小节开始出现的是一种模仿送葬队伍缓慢行进的哀伤曲调，音阶上扬，节奏轻缓，似乎隐含着隐隐而压抑的抽泣之声。而后人声加入，女高声部的上行和浑厚的男低的下行，以及两次渐强的咏叹，在哀叹之余透出死亡的压抑，在悲痛之余有有一丝意念潜在这感性的伤痛里，仿佛是人的思索与忏悔。然而在这令人窒息的死亡之息之中，一句“Jesu”后，却出现了一段甜美的田园般的柔和曲段，仿佛是人们在沉痛的忏悔中，主的出现使他们终于看到了救赎的的希望。之后曲调又回到之前送葬队伍的脚步上来，此时与前段对比，音阶下行，似乎是忏悔之后的灵魂的洗礼一般。送葬的人们还沉浸在哀痛之中，而作者本身却已经看透了一切，走向了灵魂的救赎与重生。章节最后，一句渐强的“阿门”似乎预示着众神对这个净化过的灵魂的认可与接纳。整段曲子沉浸在一种压抑而收敛的哀痛情绪中，其间不断的对死亡的反思之感更增加了曲段的深度。

以上是我对落泪之日的理解。在写这段感想之前，我曾经听说鲍姆版的安魂曲对莫扎特的思想诠释的很好。于是我便把鲍姆的版本与卡拉扬的版本进行了对比。经过对比我发现，两个版本差异还是非常大的。就落泪之日这一小节讲，首先我最大的感触，就是卡拉扬版本的节奏要明显快于鲍姆版本，里面蕴含着卡拉扬式的激情。其次，鲍姆版本中的男低声部处理的很好，而且整体的人声部分浑然一体，悲伤而不突兀，有一种厚重感;然而卡拉扬的版本却过分突出了男高声部，是哀痛的受审变为了带有强烈愤怒力量的审判。

有一种观点的理解是，鲍姆的指挥是出于从人性的角度出发，是对神的宽恕的祈求;而卡拉扬的指挥则是从神性出发，强调对凡人之罪的惩罚。如果从这个角度出发的话，我便可以理解为何人们对鲍姆版本的认同感更强了。第一，从作曲家莫扎特本人而言，他没有贝多芬那样强烈的感情，而是一个单纯而细腻的人，不可能生发出那样的愤怒之感;第二，安魂曲为莫扎特为自己而作的终曲，是一个将死之人对一生的反思，他不会把自己化身为神，否则就是一种亵渎。第三，从人性角度出发的演绎更能与大多数听众的内心形成共鸣。



最近写的作业，节选一部分放上来做参考吧，写的不容易希望你参考但别抄袭，毕竟不是自己的东西，被老师看出来会死很惨……整曲有四五十分钟，过长，如果全分析都可以作学术报告了，建议你自己查查历史背景再写。

　　关于Lacrimosa dies illa的感想。
　　落泪之日这个小节是莫扎特终笔的地方，在写完这一章后，莫扎特便带着他未完成的安魂曲与世长辞了。如果有人说，莫扎特一生生活拮据，之前的创作大多是靠着“天才”光环，出于养家糊口的目的而创作的曲目，那安魂曲可以算作一个例外。诚然，有传说故事流传下来，说在莫扎特已经病入膏肓之后，一位披着黑色斗篷，看不到面孔的的不速之客登门造访，请他创作一部安魂曲，更许诺将有不菲的报酬。然而当时的莫扎特却也意识到，自己可能以离大限不远，这个要求的出现无疑是命运的暗示。他曾在给友人的信中写道：“我有一种感觉，我目前的状态也在这样暗示，我的大限已经为期不远了。我的末日要在我的天才完全发挥出来之前降临。可生活是如此美好！然而任何人都不可能改变由天注定的命运，任何人也不可能知道自己的寿命长短……因此我要做完我的葬歌。我无权把未完成的安魂曲留在人间。”
　　于是带着一种对灵魂救赎的恳切的宗教式的祈祷，莫扎特开始创作这首为自己而谱的葬歌。在落泪之日这一小节中，这种情绪被淋漓尽致的呈现出来。小节开始出现的是一种模仿送葬队伍缓慢行进的哀伤曲调，音阶上扬，节奏轻缓，似乎隐含着隐隐而压抑的抽泣之声。而后人声加入，女高声部的上行和浑厚的男低的下行，以及两次渐强的咏叹，在哀叹之余透出死亡的压抑，在悲痛之余有有一丝意念潜在这感性的伤痛里，仿佛是人的思索与忏悔。然而在这令人窒息的死亡之息之中，一句“Jesu”后，却出现了一段甜美的田园般的柔和曲段，仿佛是人们在沉痛的忏悔中，主的出现使他们终于看到了救赎的的希望。之后曲调又回到之前送葬队伍的脚步上来，此时与前段对比，音阶下行，似乎是忏悔之后的灵魂的洗礼一般。送葬的人们还沉浸在哀痛之中，而作者本身却已经看透了一切，走向了灵魂的救赎与重生。章节最后，一句渐强的“阿门”似乎预示着众神对这个净化过的灵魂的认可与接纳。整段曲子沉浸在一种压抑而收敛的哀痛情绪中，其间不断的对死亡的反思之感更增加了曲段的深度。
　　以上是我对落泪之日的理解。在写这段感想之前，我曾经听说鲍姆版的安魂曲对莫扎特的思想诠释的很好。于是我便把鲍姆的版本与卡拉扬的版本进行了对比。经过对比我发现，两个版本差异还是非常大的。就落泪之日这一小节讲，首先我最大的感触，就是卡拉扬版本的节奏要明显快于鲍姆版本，里面蕴含着卡拉扬式的激情。其次，鲍姆版本中的男低声部处理的很好，而且整体的人声部分浑然一体，悲伤而不突兀，有一种厚重感；然而卡拉扬的版本却过分突出了男高声部，是哀痛的受审变为了带有强烈愤怒力量的审判。
　　有一种观点的理解是，鲍姆的指挥是出于从人性的角度出发，是对神的宽恕的祈求；而卡拉扬的指挥则是从神性出发，强调对凡人之罪的惩罚。如果从这个角度出发的话，我便可以理解为何人们对鲍姆版本的认同感更强了。第一，从作曲家莫扎特本人而言，他没有贝多芬那样强烈的感情，而是一个单纯而细腻的人，不可能生发出那样的愤怒之感；第二，安魂曲为莫扎特为自己而作的终曲，是一个将死之人对一生的反思，他不会把自己化身为神，否则就是一种亵渎。第三，从人性角度出发的演绎更能与大多数听众的内心形成共鸣。

　　最近写的作业，节选一部分放上来做参考吧，写的不容易希望你参考但别抄袭，毕竟不是自己的东西，被老师看出来会死很惨……整曲有四五十分钟，过长，如果全分析都可以作学术报告了，建议你自己查查历史背景再写。

记得好像是安魂曲

《小星星变奏曲》
降E大模薯调木管五重奏第二乐章
第二十一钢琴协奏曲第二乐章
G大调弦乐小夜曲派厅第一乐章
土耳其进行曲
《费加罗的婚礼》
莫尘码隐扎特的协奏曲都是很有名的，而且数量很多

不是莫扎特的<<安魂曲>>

是他的《唐璜》（唐·乔万尼）中的一段

Requiem aeternam dona eis, Domine,
et lux perpetua luceat eis.
Te decet hymnus, Deus, in Sion,
et tibi reddetur votum in Jerusalem_
Exaudi orationem meam,
ad te omnis caro veniet.
Requiem aeternam dona eis, Dimine,
et lux perpetua luceat eis.

《纪念莫扎特逝世200周年维也纳音乐会》
曲目:莫扎特-《d小调安魂曲》[作品K.626]
指挥:乔治·索尔蒂爵士
合唱:维也纳歌剧院合唱团
演奏:维也纳爱乐乐团
编号:DECCA 433 688-2 DH[1CD]

安东尼奥.萨利埃雷（Antonio
Salieri）。按照现在的说法，是萨利埃雷要莫扎特写得安魂曲，也是莫扎特最后一部作品。

　　奥地利著名作曲家莫扎特年轻时，曾经拜海顿为师。

　　有一次，他和老师打赌说，他能写一段连老师都弹不出的曲子来。海顿心里想：我在在音乐殿堂奋斗了多年且早已功成名就，你一个乳臭未干的毛头小子，竟敢夸下那么大的.海口，真是初生牛犊不怕虎呀！于是就对莫扎特说：你写来我试试，我就不信你能难倒为师。

　　莫扎特伏案疾书，很快就写出了一段曲子。海顿也不细看就在钢琴前弹奏起来。不一会儿，就弹不下去了，不由得说：“这是什么曲子，我两手分别弹响钢琴两端时，怎么会有一个音符出现在键盘中间位置呢？” 海顿以他那精湛的技巧又试弹了几次，还是不行，最后只好无可奈何地说：“看样子任何人也弹奏不了这样的曲子，除非他有三只手。”

　　莫扎特胸有成竹地说：“老师，我能弹！”海顿心里一惊，他要看看莫扎特怎么能变出第三只手来。当莫扎特弹到那个特别的音符时，让海顿根本没想到的一幕出现了：只见莫扎特弯下身子，用鼻子点弹了那个音符，海顿不禁为自己高徒高明的创意拍案叫绝：是呀，鼻子也可以当作一只手，自己怎么就没有想到呢？

　　正如世界上没有不能弹奏的曲子一样，鼻子也不仅仅是用来呼吸的，必要时也可以成为我们的第三只手。创新思维，鼻子也可当手来用。