诗词与诵读

有朋友问我，古诗词吟唱的调子有固定的曲谱吗？应该说，日常诵读没有曲谱，即兴吟唱是古人诵读诗词的常态。我们汉语有个特点，是旋律型语言，讲究四声阴阳。平上去入，不必专门谱曲，每个字都有声调，每个字都是可歌的。如何字字可歌呢？唐人《元和韵语》说平声哀而安，上声厉而举，去声清而远，入声直而促。明代《玉钥匙歌诀》说平声平道莫低昂，上声高呼猛烈强，去声分明哀远道，入声短促急收藏。可见自南朝以降，唐宋元明清对四声的理解和诵读是一脉相承的。有了这个做基础，所以蘅塘退士才说，熟读唐诗三百首，不会吟诗也会吟；有了这个做基础，格律诗词方才臻于繁盛。

平声是平调，上声是升调，去声是降调，入声是短调，这就构成了历代的文人士子们读书音的基础。哪怕语音在不断流变，地域方言千差万别，读书的声调大致都要这样去把握，才可以说是以乐语教国子，才能成为兴道讽诵言语赖以传承的方式。说得再具体一点，那就要理解四声的长短、高低、快慢。比如本文标题“诗词与诵读”就包含了平上去入四个声调。诗词两字读作平声，诗是阴平，词是阳平。平声平道莫低昂，明确指出了平声字在诵读时声调不能太高也不能太低，要处在一个平正稳定的声道上，从而展现出哀而安的特点，因为只要气息足够绵长，平声字可以读得很长而不必改变声调，会给人一种中正平和、哀而不伤的感觉。

上去入等仄声字却做不到这点。上声厉而举、高呼猛烈强，声音位于一个上升的轨道中，当声调到达一定高度就读不出来了，自然在诵读的时间长度上会受到限制而表现得稍短，如果勉强拖长声音来读，会发现升调拖长的部分变成高音区的平调了，这种把汉字原有的声调读错的现象我们称之为“倒字”。诗词诵读要实现诗教的功用，倒字要避免。去声清而远、分明哀远道，要求诵读时声音有一种清越的、明确的从高音区到低音区渐行渐远以致消失不见的体验，所以读起来会有一个下降的过程，但是在这个过程结束之后没必要再延长，因为继续延长的话就倒字了，降调会变成平调。

入声直而促，短促急收藏，发音要短促，往往会有一个有力的停顿，给人一放即收的感觉，好像乐谱中的休止符，当其处在不同位置时，自然可以改变诵读的节奏，从而使诗词的表现形式富于变化。以格律诗为例，仄起平收，仄起仄收，平起平收，平起仄收等等，翻来覆去就那几种格式，如何承载古往今来数以千万计的诗句，若没有入声字的穿插，在诵读时给音节增加了繁复的变化，恐怕不免会在单调的节奏中逐渐衰亡。

有人说普通话没有入声字，所以诵读时无须注重入声字，反正也读不出古音的原汁原味，我认为是不合适的说法。入声字诵读，在普通话发音的基础上读得略短一些就可以，没有那么多玄奥可言的，因为你要在不倒字的基础上读出短调。试想同样一个入声字，比如“入”字或“读”字，宋人的读音和唐人的读音是完全一样的吗，恐怕颇不相同，宋人当然不会因此就不读唐诗了，那今人又何必要求跟古人读得一模一样呢。用保留了入声的各地方言来读这两字，发音的区别也很大。所以入声字的诵读不要故意纠结于古今差异和地域差异，言必称读不了读不了，而是要牢牢抓住入声字短促的本质特征，以此言志抒情就可以了。更有人口口声声要消灭入声字的，殊为可笑。古诗词中含有大量的入声字，入声字在诗词创作和诵读中承担着重要作用，这些都是客观事实。总不能让柳宗元活转来，警告他不能在《江雪》里用入声字表现自己的孤独，也不能让岳飞活转来，警告他不能在《满江红》里用入声字表现自己的激越吧。所以入声字要守护传习而不是任其湮灭。当然不乏另有一些人，弃掷了历代传承于不顾，许身于开天辟地的，就不议论了。

综上所述，总结一下。首先，四声有平长仄短的特征，在诵读时平声可以延长，上去入不能延长。其次，四声有平低仄高的特征，上去入在诵读时声调会与高音区产生联系，而平声则维持在不高不低的声道上。据此可以理解四声为什么会平仄二元化，是因为人们在长期诵读中，发现平声与上去入在声调的长短高低上形成了平与不平的对立。仄声字多的句子曲折不平，读来拗怒，平声字多的句子中正平和，读来舒缓，这样分别吟来自是快慢有别。当平上去入按照一定的次序与规则排列的时候，长短高低、轻重缓急的旋律产生了，字字可歌了。剩下的事情，是拿出具体的作品来诵读，分析这些作品如何利用四声来表达作者的情感意志，研判这种表达的成败得失，也可以把同类作品综合来读，总结出相应的演化规律，从而谈论起声律来不会令人觉得突兀无根。至此，作为读者的我们或许有机会再进一步去窥探诗词的堂奥，比如从声律的角度解读一下为什么一首诗或词的意境可以那么优美，而以前我们除了会说“哇，好美呀”，别的却说不出所以然。对于诗词作者，诗如何言志，歌如何永言，声如何依永，律如何和声，自有更深一层的体会。

这时，就仿佛你可以泡上一杯清茶，沐浴着一身冬日的阳光，播放一张老唱片，一边吟唱，一边仔细甄别哪一首是美声唱法，哪一首是通俗唱法，哪一首是爵士，哪一首是民谣。