李斯特《钟》：把钢琴这个“神器”发挥到极致吧！

一看到《钟》这个曲名呢，你们估计就会不自觉地往墙上，桌子上看看，对。钟。我小时候一看到钟，第一反应就是，哎呀，七点了，才练了两个小时琴，还要再练一个小时。

因为学琴，我很小就学会认时间了哈，大部分时候我都是很享受练琴的，但是偶尔也会觉得，怎么时间过得这么慢啊，还没练完。哈哈哈。大家练琴的时候可能都有这种感受，但是！还是要争分夺秒的练琴，才能把底子打好。因为李斯特的《钟》，就是需要很强的技术功底，才能演奏的高难度炫技练习曲。

《钟》这首曲子呢，是匈牙利作曲家李斯特写的六首《帕格尼尼主题大练习曲》中的第三首。李斯特是一个特别愿意去做不同尝试，去创新的一个人。大家知道我们现在是有独奏音乐会这个词的，你知道全世界谁是第一个开独奏会的音乐家么？就是李斯特。要不是因为他，我们根本没有机会听到这么多优秀的独奏音乐家的现场演奏。

而且在李斯特生活的那个年代啊，很多人对钢琴的理解都很片面，甚至是很多钢琴家本人都觉得钢琴音色单调，音响效果也没什么特点。但是李斯特就一直相信钢琴是一个“神器”，是能表现出整个乐队的音响效果的乐器。

用他本人的话说呢，就是：“钢琴的音域范围包含了整个乐队，而人的十个手指，足以再现乐队中许多音乐家结合在一起，才能表现的和声效果。”

李斯特说的没错。而且他真的是身体力行，他的作品充分挖掘了钢琴键盘上每个音区特有的音色特点，比如高音的清脆明亮，以及低音的浑厚。从此以后，“钢琴交响化”这个词就诞生了。

那我个人觉得，他的音乐还有另外一个特点，那就是画面感。我们知道著名的俄国作曲家拉赫玛尼诺夫有一套《音画练习曲》，我觉得音画这两个字去形容李斯特也是非常合适的，他的作品，是有画面感的。

《钟》这首曲子的原型，是意大利小提琴家帕格尼尼的《b小调第二小提琴协奏曲》第三乐章。1831年，李斯特现场听到帕格尼尼拉这首小提琴协奏曲之后，非常激动，马上就有了创作灵感，没几天就写了这首脍炙人口的曲子。

其实《钟》这首钢琴曲还有另外一个别名，叫《小铃铛》，或者《手摇铃》，为什么会有这样的别名呢？你来听听开头就知道了。

右手在钢琴高音区，音色是不是非常清脆？加上远距离的大跳，仿佛听到远处传来了教堂钟楼里“当~当~当”的声音。

而这个时候，左手在干什么？左手在弹分解琶音来衬托右手这样清脆的钟声。听起来效果并不复杂，但演奏时需要演奏者对距离的把握十分精准，只要稍微错一点儿，大家就听得清清楚楚。我再弹一遍。

紧接着，我们会遇到很多的快速的十六分音符的三连音。这里就像是刮起了风一样，教堂顶上所有的风铃和钟都在随着风起舞。在弹奏这一部分的时候，如果你两只手特别拿劲，肌肉太绷着的话，手臂很快就僵掉啦。

所以手臂尽量放松，要找到一种巧劲儿。这个巧劲，就像跳高和跳远，不能光用死力气，必须找到发力的点，用瞬间爆发力去弹，这个力度的持续时间很短，只有0.1秒。

李斯特本人的手啊，是非常大的，他的手在自然张开的状态下，可以轻松弹十度。所以他写的这些高难度的曲子折磨了不少人。我听很多学生都说过，弹《钟》的时候，感觉这个拇指和二指中间的虎口都要被撕开了，手型呢，像个五指钉耙一样，拼命地张开。

肖邦就曾经说过：“李斯特论作曲可能是二流作曲家，但是演奏，绝对是一流！”所以你就知道李斯特本人的演奏技术到底有多厉害。

到曲子中段，开始有大量的半音跑动以及双手交替演奏的半音音阶的跑动，比如这里，弹的时候，手指不要离琴键太远，注意音色的平均及节奏的平稳，慢一点练。尽量的把每个音弹清楚，记住，慢练和快练的比例是十比一，不要急于求成！

然后我们会遇到一个比较难的地方！就是需要右手的四指和五指去快速演奏的三十二分音符。大家可以动动我们的手指，三指和四指是比较笨的，怎么训练他们？我教你们。首先，分组练习颤音，四个音一组，按“强-弱-弱-弱”的律动，由慢到快的练习，比如这样，这样一段时间后呢，你的四五指会有很大改进，我们来听一下这一段。

最后，是全曲的高潮片段，整个乐段都是非常激情澎湃！辉煌的！左右手持续的八度直到结尾。在演奏完前面那么多得高难度技巧之后，到了这里，其实是体力、耐力和技术的一个终极考验。就像大家打游戏通关，前面费劲千辛万苦，终于打到最后一关大佬怪了，这个时候你注意力高度集中，但是这时候就容易紧张。不要紧张。

弹奏八度时，要注意手腕的运用！手腕的固定是尤其重要的，由手臂的力量去带动手指演奏。好比什么呢，好比这个痒痒挠，你想，如果在痒痒挠的杆上安一个弹簧是什么感觉，这越挠越难受吧？所以，在演奏八度时，需要手掌架子很稳的支撑，爆发力必须简单直接的传递出来，力量不能被任何一个关节缓冲掉。你听我弹一遍哈。

李斯特一生大概创作了700多首作品。在当时算是音乐圈的超级巨星。在李斯特生活的时代，改编其他作曲家的作品是很常见的。李斯特对每一首他想改编的作品都进行了创造性的发挥，让曲子在思想上、技术上都焕然一新。

我觉得《钟》是他改编的所有帕格尼尼练习曲里头，最具有炫技特点的作品。李斯特自己也说过，只有极少数的人可以演奏这首练习曲。所以可想而知，这个难度是非常高的。但是我们对《钟》的理解，不能只是在炫技这一个方面，因为它其实是展现了李斯特丰富的想象力和创造力，还有他的情感意境。这才是这首曲子真正的魅力所在。

之前，我也为大家介绍过一些古典主义时期的作品，比如莫扎特和海顿的作品。那个时候的曲子在音色和力度上的变化都不是很大，基本上都是要颗粒性比较强，比较清晰这样的要求。但是在李斯特生活的浪漫主义时期，作曲家们对于音色和力度的要求啊，都发生了很多的变化，所以我们在弹浪漫派作品的时候，一定要注意这些变化。

我们今天呢，说了《钟》这首作品，它是匈牙利著名的作曲家李斯特的代表作。这首作品包含了不少技术难点，比如，远距离跳音，重复音快速演奏，双手同时以及交替的跑动音群还有八度等等。李斯特利用钢琴高音区的音色特点，给大家营造出了清晨教堂的钟随风摇摆时，发出的阵阵响声。你一听，就好像有钟声在你耳边敲响一样。

最后，我想问问大家：你在练习这首曲子的时候，都遇到了哪些难题呢？欢迎大家在评论区留言给我。好好练习，我们下期再见！