第二篇章 古典的乐章

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第二篇章  古典的乐章

1750年到1820年这段时间，被称为音乐史上的古典主义时期。不同于巴洛克音乐的矫饰浮夸与宏大的戏剧性特征，古典主义时期的音乐表现出清晰自然、严谨有序的特点。

今天，我们就对古典主义时期的音乐做一个整体勾勒，搞清楚三个问题：

①古典的含义

②古典主义时期音乐的特征

③及其形成的原因。

古典的含义

我们通常意义上说的“古典音乐”与“古典主义时期的音乐”是一回事吗？这两个“古典”有什么不同之处呢？

在我看来，“古典”这个词是有这着两层含义：一个是狭义的，一个是广义的。

从狭义的角度（即历史的分期）来看，“古典音乐”就是专门指巴洛克时期以后（从巴赫逝世的1750年到1820年）这70年时间的音乐。因为“古典”（Classical）这个词来源于拉丁文，原义是“古罗马最上等的公民”，而后将其引申为了“模范、典范”的意思，是指“第一流的或高质量的东西”。那么，凡是具有这种模范与典范性、一流或高质量特征的作品，就可以被称作为“古典”。

而在1750-1820年这段时间发展出来的音乐体裁（比如交响曲、奏鸣曲、四重奏等），成为了后来音乐史发展过程中争相模仿的典范。因此这段时期的音乐就被称作“古典音乐”，而在历史时期上看就是“古典主义时期的音乐”。这里的“古典”Classical 中的C是大写的。

但人们更愿意接受的是广义角度的“古典音乐”。也就是说，凡是经过历史沉淀的、具有一定水准的、具有永恒意义的、具有一种超越时空之美的音乐，都可以叫古典音乐。因此，广义层面的“古典音乐”具有一种经典性，也可以理解为“经典音乐”。这里“古典”classical中的c是小写的。就历史上看，从巴洛克时期开始一直到浪漫主义时期的音乐，都可以叫古典音乐。

这就是“古典”的两个含义。

我们总结一下：“古典主义时期”中的“古典”是狭义的理解，就是指1750-1820年这段特定时期内具有“模范与典范性”的音乐。而我们通常意义上说的“古典音乐”则是广义的解释，具有“经典音乐”的内涵，是指“严肃的”或“高雅的”音乐，与民间音乐与流行音乐予以区分。

看图就能一目了然了。

西方音乐史是一个最大的概念，广义上的古典音乐是从巴洛克时期开始一直到20世纪初这段时间的音乐，狭义上的“古典音乐”仅指1750-1820年这段时期的音乐。

古典主义音乐的特征

用几个词概括便是：理性朴素、清晰自然、温和典雅、严谨有序。此时的音乐“收敛”了一些，不像巴洛克音乐那样繁复、绚丽与耀眼，而是多了一些“理性的冷光”。

大家会觉得，这些词都是非常笼统的感受，那么古典主义的音乐具体是如何表现出这种理性色彩的？

我将其拆解为了两个关键词：一个是平衡性，一个是规范性。

这里有一张表，可以对着表格听下面的讲解。

平衡性

所谓“平衡性”体现在：主调音乐的发展，对位法的消失与通奏低音的消失。之前的巴洛克时期，复调作曲发展到了高峰，复杂的对位法和通奏低音使得整个旋律显得繁复，要在各个声部的对比中才能找寻到旋律发展与演进的线索。那么各个声部其实是处于失衡状态的，一会这条旋律上去了，一会另一条旋律又起来了，此起彼伏。

而主调音乐则不同，有一条主旋律声部作为主线，其他声部是陪衬与辅助的。即次要声部必须要服从主声部，从而就达到一种平衡感。你的耳朵听到就是一条主旋律的演进，跟着这个主旋律往后走，就不会失衡。

于是，古典主义时期的作品给人的感觉就是清晰悦耳的，是更容易让人记住。比如我们听莫扎特听贝多芬，一些经典的旋律我们都记住跟着哼出来，但是你听巴洛克的一些复调曲目，听很多遍也哼不出来，就是这个道理。

规范性

所谓“规范性”，就是说音乐的发展变化是规范的而不是随意的，作曲是要按照严格的格式进行的，是有规可循、有章可依的。主要体现在曲式和旋律两个层面。

曲式上，这一时期的奏鸣曲、交响曲、弦乐四重奏等等曲式都得到了空前发展，不同的曲式都要遵循着不同的结构方法。比如，古典交响曲和弦乐四重奏，通常遵循四个乐章的模式（1.快乐章  2.慢乐章  3.舞曲性质的乐章  4.快乐章）；再比如“奏鸣曲式”，是针对某一个乐章的曲式结构，由三个主要段落（呈示部、展开部、再现部）以及尾声构成。

那么如此以来，不就形成了一种固定的音乐模式吗，用我们通俗的话来说就是音乐的套路，就像我们写文章一样，讲究起承转合。而作曲上有了这套“起承转合”的规律后，作品就呈现出了一种结构性和逻辑性。作曲风格更加理性，音乐的情绪变化都被统摄于这套总体性的规则之中。

而在旋律层面呢？

这一时期，旋律通常是由两个长度相同的乐句构成，具有了周期性反复的特点，比如每两个、四个或八个小节反复一次，从而表现出了一种对称性，听起来非常工整。

总体上来说，古典主义时期作品的平衡性与规范性，使得这一时期的音乐表现出了清晰流畅、朴素自然、严谨有序的听觉特征，在结构与形式上体现出了理性的色彩。因为我们也称古典主义时期的音乐散射出的是一种“理性的冷光”。

特征成因：历史文化因素

下面我们去讲讲产生这种音乐特征的原因，结合当时的历史文化背景层面去剖析。

（1）理性思潮与启蒙主义

18世纪中后期，理性主义思潮盛行，启蒙主义运动展开，新兴市民阶层的壮大，这些都成为音乐风格转变的历史文化因素。

在思想层面，辉煌的德国古典哲学应运而生，理性与逻辑发展到了巅峰；启蒙主义者以理性为武器，对传统信仰与权威加以批判；追求真理与发现自然法则，成为那个时代的要求。

而理性主义的本质是什么？便是在不确定性中寻找到确定性，探寻变中之不变的那个东西。因此，深受理性思潮大环境的影响，音乐上也要寻求一种规律性与模式性，找到音乐的套路和规则。于是，各种具有逻辑性的音乐曲式就得到空前发展，因为这些曲式正是音乐规则的体现。

（2）音乐大众化

再加之，这一阶段欧洲各个国家的新兴市民阶层壮大，音乐已经不再单纯供王公贵族享用，新崛起的中产阶级也成为了音乐的受众。音乐走向了一个民众化与世俗化的方向。此时的欧洲，出现了许多新兴剧场和音乐厅，人们可以举办公众音乐会；近代钢琴也出现于大众视野，人们还可以在家演奏音乐。这使得音乐的受众更广泛了。

那么既然音乐更加大众化了，市民阶层的审美情趣便成为了音乐创作的主导方向，在作曲上作曲家要更能抓住听众的耳朵才行。什么样的旋律能抓住听众的耳朵？当然是主调音乐了。复调音乐会让人听得昏昏欲睡，只有主调音乐能吸引听众的注意力。于是，更加清晰明朗的主调创作技法就成为了音乐风格的主流。

一个总结

以上就是今天第二篇章的导论课，信息量还是比较大的，大家可以仔细消化一下。

用一句话总结一下便是：深受理性思潮与启蒙运动的影响，音乐家告别了巴洛克时期繁复绚丽的作曲方式，而走向了以主调作曲为主的、具有逻辑性的古典作曲风格，音乐旋律更加清晰悦耳，结构对称严谨，体现出理性的色彩。

在本章，我们将介绍格鲁克、海顿、莫扎特和贝多芬这几位音乐家。其中，海顿、莫扎特和贝多芬是本章的重点，他们三位被誉为“维也纳三杰”，我们也将全方位、立体地去呈现他们作品。当然有必要提及，贝多芬既是古典主义音乐的集大成者，也是浪漫主义音乐的开路先锋。

下期节目，我们就先从格鲁克对歌剧的改革切入，开启“古典的乐章”。

感谢收听，下期见！