灵魂音乐大师之--神童莫扎特胎教

沃尔夫冈•阿玛多伊斯•莫扎特（英语：Wolfgang Amadeus Mozart，1756年1月27日－1791年12月5日），出生于神圣罗马帝国时期的萨尔兹堡，欧洲古典主义音乐作曲家。

1760年，4岁的莫扎特跟父亲列奥波尔得•莫扎特学习钢琴并开始作曲。

1762年，6岁的莫扎特在父亲的带领下到慕尼黑、维也纳、普雷斯堡作了一次试验性的巡回演出。

1763年6月至1773年3月，莫扎特与父亲先后到德国、法国、英国、荷兰、意大利等国进行为期十年的旅行演出。这次演出让莫扎特对当时最先进的意大利歌剧、法国歌剧、德国器乐等体裁都有了认识，还结识了J.C.巴赫、G.B.马蒂尼、G.B.萨马蒂尼等作曲家并学习到他们的作曲技术，这时的作品已经显示莫扎特创作体裁的广泛性和他对歌剧创作的兴趣。

渐渐成熟

1773年底，莫扎特与父亲返回萨尔茨堡。此时的莫扎特对自己卑微的奴仆乐师地位感到不满，为了争取人身与创作的自由，他经过激烈的斗争，终于在1777年9月获得大主教的同意，又随母亲进行了两年的旅行演出。为了另谋职位，以便永远离开萨尔茨堡，他先后在慕尼黑和曼海姆教学、演出，进一步加深了对不平等制度的认识和体会。在曼海姆时，他得到一些市民音乐家的帮助与同情，并接触到当时欧洲重要的曼海姆乐派，听到第一流管弦乐队的演奏。

1778年5月，莫扎特抵达巴黎，由于母亲病逝，加上未能谋到职位，于是在1779年1月返回萨尔茨堡。这一时期，莫扎特在曼海姆创作了2首长笛协奏曲、1首双簧管协奏曲、7首钢琴小提琴奏鸣曲、3首钢琴奏鸣曲，这些作品反映了曼海姆乐派的影响。

1780年，莫扎特完成歌剧《伊多梅纽》。这一时期莫扎特的作品严谨，在内容上反映了当时狂飙运动思潮的影响，在形式上出现了新的要素，如奏鸣曲式第一乐章的呈示部，出现了与第一主题相对比的第二（或更多的）主题在再现部中，常常改换主题出现的次序，有时对主题材料也进行了不同于呈示部的处理，在第一、二乐章间，有了强烈的力度对比，这些手法，增强了他的音乐作品的戏剧性，使“古典奏鸣曲式”进一步形成。

　　莫扎特对歌剧创作所做的贡献是巨大而且影响深远的。他的创作思想比格鲁克更成熟、更高超、更全面。格鲁克认为音乐应该服从于戏剧、音乐应当只是起加强剧词的表现力的作用。莫扎特并不轻视剧本，但是他认为歌剧创作不应拘泥于剧作原则，而应该以音乐发展的原则为基础，他在1777年11月8日发出的一封信中写道：“我可能用诗句或色彩来表现我的感情和思想，因为我既非诗人又非画家。但我能用声音来表现，因为我是音乐家。”他认为应该更重视音乐在人物感情刻画上的作用。莫扎特的艺术实践证实了他的创作思想的正确和深刻，他所创作的人物形象具体、生动而且有个性，栩栩如生。莫扎特是个戏剧天才，他巧妙地将音乐的旋律结构和戏剧的情节动作完美地连接起来，成为名符其实的歌唱戏剧艺术，因此莫扎特各种类型的歌剧，至今仍保持着动人的魅力。



　　一、莫扎特歌剧的音乐特点

　　1.赋予每个人物以不同的特性，以歌剧《唐璜》为例，唐·奥塔维奥是纯粹的抒情性形象，采琳娜则是单纯的农村姑娘的活泼形象，莱波雷洛是喜剧人物，唐·安娜则是个处于戏剧性遭遇中的抒情性形象，司令官是个悲剧性形象，是道德、惩罚和复仇的象征。以歌剧《魔笛》为例，塔米诺和帕米娜是抒情性的正派角色的形象，夜后的高难度的花腔演唱使人联想起那波里乐派歌剧的余风。土耳其人奥期明的出现带来了异国情调、他的急口令般的咏叹调、典型的反映了喜剧角色的形象。萨拉斯特罗则是正歌剧型的人物，代表了美德、善良、博爱和光明。莫扎特除了赋予每个人物以不同的特征之外，还根据剧情的发展，使得每个人物在各个发展阶段和不同环境之中，有着不同的情绪和心情反映。

　　2.莫扎特还发展了重唱，并且以重唱来展开戏剧情节和作为音乐戏剧结构的基础。在他的作品中，有时重唱甚至比咏叹调、宣叙调的音乐还丰富，如《费加罗的婚礼》一剧中，凡是戏剧性高潮和剧情开展的关键之处，他都采用了重唱的形式。比如第二幕的终场，音乐不间断地提供机会，让众多的角色进入剧情，使得伯爵和伯爵夫人的矛盾（二重唱），经过苏珊娜加入的三重唱，费加罗再进入的四重唱，一直发展成马切琳娜，医生巴尔托洛和教师巴西里奥上场的七重唱（中间还穿插了花匠过场的声部），从而把喜剧推向高潮。


　　3.莫扎特在使歌剧带有民族特点方面比格鲁克进了一步，他写作歌剧《魔笛》时采用了德文歌词，吸取了许多德国传统民歌和新教圣咏，创造性地借鉴了意大利正歌剧和喜歌剧中的成功因素来丰富德国的歌唱剧体裁，为以后的德国浪漫主义的大歌剧的发展奠定了基础。



　　4.莫扎特还创造性地发展了喜歌剧这种形式。当初意大利的喜歌剧只是一种滑稽、逗趣、杂耍式的剧种，所用的音乐只求轻快、华丽、热闹，有时还允许有点夸张。莫扎特早年也曾想模仿意大利人那种无拘无束的开朗性格，他所作的《假园丁》一剧就作了这方面的尝试。但是他后来发现应当采用发现应当采用发挥自己的气质和特长的方法来写喜歌剧，扩大了题材范围，使喜歌剧可以表现更广、更丰富的题材内容，并以多种形式表现，取得了伟大成就。

　　5、莫扎特扩大了某些声部的表现力。那波里乐派的歌剧总是以高音声部作为主角。而莫扎特则很出色的运用男中音和男低音来担任主角。
　　在莫扎特的艺术中，歌剧是一股主流，它推动了其它形式的发展，歌剧中体现了他生活的快乐，他的忧伤以及他的个性多方面的冲突。在用音乐刻画人物和使剧中人物富有活力方面，还没有人超过莫扎特的能力。他创作了丰富的优美旋律，这些旋律给人以美感，在音乐中地位突出，与人声的曲线相符合显出了莫扎特的抒情天才。他为乐队写的音乐从不干扰人声，而是在表现剧情发展方面起了奇妙的构架作用。



　　二、莫扎特歌剧的演唱风格

　　莫扎特的音乐（除了青年时期的作品之外）具有典型的古典时期音乐的一切特征。因之，在演唱莫扎特歌剧时必须注意到以下几点：


　　1.必须注意到古典时期的主调音乐与巴罗克时期的复调音乐这一质的不同。巴罗克音乐开拓了对位法，使音乐向横向发展。古典音乐则发展了和声技术，注意到音乐的纵向发展，这个基本的不同之处——和声，影响到了演唱风格的很多方面，如旋律线的行进就与终止式的使用有关；在属和弦在重拍，主和弦在弱拍的阴性终止式情况下，旋律和演唱往往需要有一点渐弱的、柔和的收势（这在莫扎特作品中常出现，因此也是演唱时的风格特征之一）。在属和弦在弱拍，主和弦在重拍的阳性终止式情况下，旋律往往采取明朗、干脆的强收，而各种终止式在全曲的分布，则又像文章的起承转合的布局一样，起着决定旋律线条演唱的抑扬顿挫和换气的方式（从容的、或果断的，声止而意未尽的，告一段落的……）。当延长的音结束在强拍上时则强收，在弱拍时则弱收。音色的运用也往往与调性有关，当音乐从大调突然转为小调时，一般情况下，它都暗示着演唱者要把明朗的欢快的歌声转为较暗的或带点忧郁的音色。



　　2.起音要求准确，绝对不允许出现油滑的上滑音或意大利浪漫主义歌剧演唱中的华丽的下滑音，这是演唱莫扎特等古典时期作品以及德、奥艺术歌曲中，必须切忌的事和必须具备的首要基本功。